そして、狭義的な意味は16世紀以後に出現した「ある一定の法則によって連結された和音」のことをいいます。
これは、16世紀のヨーロッパから発祥した「機能和声」のことを指していて、個々の和音にはその根音と調の主音との関係にそれぞれの役割があると考えるものです。

この和音を一目で分かるように記号で表すものを「コードネーム」といいます。
例えば、「Cm」のように大文字のアルファベットの右側に小文字のアルファベットの「m」があるものは、短三和音（マイナー・コード）といって、悲しい響きの和音を表しています。
「C」などのように大文字が一文字の場合は、長三和音（メジャー・コード）といって、明るい響きの和音となります。

この調性のない音楽のことを無調音楽といい、19世紀末期から20世紀初めにかけて形成された音組織の概念となっています。
戦争という背景をもとに、絶望と復興の混沌とした時代を反映するものとして台頭しました。
この無調音楽の表現を切り開いたのがシェーンベルクです。
現在も無調は根付いていて、種々の大衆音楽にも影響を与えています。
特に電子音楽や効果音などの基となっています。
一方で、一般の聴衆者にとっては難解な音楽というイメージがあって、不協和音が多く使われていて意味不明の音楽という印象を持たれることが多いようです。

全音を何等分するかによって種類が分けられています。
半音をさらに半分に割った「四分音」とは、例えばドとレ♭の真ん中にあたる音程やミとファのちょうど中間の音程です。
半音を3分の1に割った「六分音」は、ミとファの間に2つの音程があることになります。
また、半音を4分の一に割った「八分音」は、ミとファの間に3つの音程があることになります。
西洋音楽の中にこのような微分音の音程があると音痴に聞こえますが、それ以外の民族音楽には平均率から外れたこの微分音は結構見かけられます。
例えば、尺八のメリとかカリ（いわゆる「ハリ」のこと）は微妙に音を下げたり上げたりすることを意味していますが、これらが微分音です。

初期ルネサンスにおいては、作曲家は定旋律に別の手法を取り入れて利用しています。
各声部において主題として導入したり、多様なリズムを付加したり、あるいは宗教曲にも定旋律に世俗歌曲の旋律を取り入れたりしました。

イングランドでは俗謡を定旋律として作曲されたり、また、ドイツのバロック音楽の作曲家、たとえばバッハなどは、グレゴリオ聖歌ではなくコラールの旋律を定旋律に利用したりしています。

伴奏楽器がずっと演奏し続けられることがこの名前の由来となっています。
三和音についてあるルールに従って、低音に数字や記号を付けて楽譜に記述することで、作曲や演奏を簡単にします。
（ちなみに、この数字の付いた楽譜のことを「数字付低音」と呼んでいます。）
楽譜には低音だけが表示されていて低音楽器は楽譜通りに演奏しますが、和音楽器では楽譜を見ながら和音を即興的に付けて演奏することになります。

元々は、16世紀のポリフォニー音楽が複雑化したために、技法が難しくなると共に中心音が浮かび上がってくるようになり、17世紀の器楽曲の発展により誕生しました。
そして19世紀後半以降の「無調音楽」が登場した際に、その対になる概念として整備された音楽的概念がこの調整音楽です。

1910年代から20年代にかけて６人組を中心に多くの作品が残っていますが、1930年代には下火となり、1940年代の作品はほとんどありません。
現在残っている多調性の音楽作品の多くは、1910年代か1920年代までに書かれたものです。
代表的な作品は、ストラヴィンスキーの「ペトルーシュカ」や「春の祭典」、ミヨーの弦楽四重奏曲や「屋根の上の牛」や「プロヴァンス組曲」、「フランス組曲」などがあげられます。

その他、ある和音から派生和音（Ⅳ→Ⅴ等）に一時的に終止する「半終止」、IVの和音（ファ・ラ・ド）などからIの和音（ド・ミ・ソ）に移行して終止する「アーメン終止」などがあります。